Cândido Portinari



Cândido Portinari
Biografia
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Biografia


NCandido Portinari nasceu no dia 29 de dezembro de 1903, numa fazenda de café em Brodoswki, no Estado de São Paulo. Filho de imigrantes italianos, de origem humilde, recebeu apenas a instrução primária de desde criança manifestou sua vocação artística. Aos quinze anos de idade foi para o Rio de Janeiro em busca de um aprendizado mais sistemático em pintura, matriculando-se na Escola Nacional de Belas Artes. Em 1928 conquista o Prêmio de Viagem ao Estrangeiro da Exposição Geral de Belas-Artes, de tradição acadêmica. Vai para Paris, onde permanece durante todo o ano de 1930. Longe de sua pátria, saudoso de sua gente, Portinari decide, ao voltar para o Brasil em 1931, retratar nas suas telas o povo brasileiro, superando aos poucos sua formação acadêmica e fundindo a ciência antiga da pintura a uma personalidade experimentalista a antiacadêmica moderna. Em 1935 obtém seu primeiro reconhecimento no exterior, a Segunda menção honrosa na exposição internacional do Carnegie Institute de Pittsburgh, Estados Unidos, com uma tela de grandes proporções intitulada CAFÉ, retratando uma cena de colheita típica de sua região de origem.
A inclinação muralista de Portinari revela-se com vigor nos painéis executados no Monumento Rodoviário situado no Eixo Rio de Janeiro – São Paulo (na hoje “Via Dutra”), em 1936, e nos afrescos do novo edifício do Ministério da Educação e Saúde, realizados entre 1936 e 1944. Estes trabalhos, como conjunto e como concepção artística, representam um marco na evolução da arte de Portinari, afirmando a opção pela temática social, que será o fio condutor de toda a sua obra a partir de então. Companheiro de poetas, escritores, jornalistas, diplomatas, Portinari participa da elite intelectual brasileira numa época em que se verificava uma notável mudança da atitude estética e na cultura do país: tempos de Arte Moderna e apoio do mecenas Getúlio Vargas que, dentre outras qualidades soube cercar-se da nata da intelectualidade brasileira de seu tempo.
No final da década de trinta consolida-se a projeção de Portinari nos Estados Unidos. Em 1939 executa três grandes painéis para o pavilhão do Brasil na Feira Mundial de Nova York. Neste mesmo ano o Museu de Arte Moderna de Nova York adquire sua tela O MORRO. Em 1940, participa de uma mostra de arte latino-americana no Riverside Museum de Nova York e expõe individualmente no Instituto de Artes de Detroit e no Museu de Arte Moderna de Nova York, com grande sucesso de público, de crítica e mesmo de venda (menor das preocupações do Artista...)
Em dezembro deste ano a Universidade e Chicago publica o primeiro livro sobre o pintor, PORTINARI, HIS LIFE AND ART, com introdução do artista Rockwell Kent e inúmeras reproduções de suas obras. Em 1941, Portinari executa quatro grandes murais na Fundação Hispânica da Biblioteca do Congresso em Washington, com temas referentes à história latino-americana. De volta ao Brasil, realiza em 1943 oito painéis conhecidos como SÉRIE BÍBLICA, fortemente influenciado pela visão picassiana de Guernica e sob o impacto da 2ª Guerra Mundial. Em 1944, a convite do arquiteto Oscaar Niemeyer, inicia as obras de decoração do conjunto arquitetônico da Pampulha, em Belo Horizonte, Estado de Minas Gerais, destacando-se o mural SÃO FRANCISCO e a VIA SACRA, na Igreja da Pampulha. A escalada do nazi-fascismo e os horrores da guerra reforçam o caráter social e trágico de sua obra, levando-o à produção das séries RETIRANTES e MENINOS DE BRODOSWKI, entre 1944 e 1946, e à militância política, filiando-se ao Partido Comunista Brasileiro e candidatando-se a deputado, em 1945, e a senador, 1947. Ainda em 1946, Portinari volta a Paris para realizar sua primeira exposição em solo europeu , na Galerie Charpentier. A exposição teve grande repercussão, tendo sido Portinari agraciado, pelo governo francês, com a Légion d!Honneur. Em 1947 expõe no salão Peuser, de Buenos Aires e nos salões da Comissão nacional de Belas Artes, de Montevidéu, recebendo grandes homenagens por parte de artistas, intelectuais e autoridades dos dois países.
O final da década de quarenta assinala o início da exploração dos temas históricos através da afirmação do muralismo. Em 1948, Portinari exila-se no Uruguai, por motivos políticos, onde pinta o painel A PRIMEIRA MISSA NO BRASIL, encomendado pelo banco Boavista do Brasil. Em 1949 executa o grande painel TIRADENTES, narrando episódios do julgamento e execução do herói brasileiro que lutou contra o domínio colonial português. Por este trabalho Portinari recebeu, em 1950, a medalha de ouro concedida pelo Juri do Prêmio Internacional da Paz, reunido em Varsóvia.
Em 1952, atendendo a encomenda do Banco da Bahia, realiza outro painel com temática histórica, A CHEGADA DA FAMÍLIA REAL PORTUGUESA À BAHIA e inicia os estudos para os painéis GUERRA E PAZ, oferecidos pelo governo brasileiro à nova sede da Organização das Nações Unidas. Concluídos em 1956, os painéis, medindo cerca de 14x10 m cada - os maiores pintados por Portinari - encontram-se no "hall" de entrada dos delgados de edifício-sede da ONU, em Nova York. Em 1955, recebe a medalha de ouro concedida pelo Internacional Fine-Arts Council de Nova York como o melhor pintor do ano. Em 1956, Portinari viaja a Israel, a convite do governo daquele país, expondo em vários museus e executando desenhos inspirados no contado com recém-criado Estado Israelense e expostos posteriormente em Bolonha, Lima, Buenos Aires e Rio de Janeiro. Neste mesmo ano Portinari recebe o Prêmio Guggenheim do Brasil em 197, a Menção Honrosa no Concurso Internacional de Aquarela do Hallmark Art Award, de Nova York. No final da década de cinqüenta, Portinari realiza diversas exposições internacionais.
Expõe em Paris e Munique em 1957. É o único artista brasileiro a participar da exposição 50 ANOS DE ARTE MODERNA, no Palais des Beaux Arts, em Bruxelas, em 1958. Como convidado de honra, expõe 39 obras em sala especial na I Bienal de Artes Plásticas da Cidade do México, em 1958. No mesmo ano ainda, expõe em Buenos Aires. Em 1959 expõe na Galeria Wildenstein de Nova York e, juntamente com outros grandes artistas americanos como Tamayo, Cuevas, Matta, Orozco, Rivera, participa da exposição COLEÇÃO DE ARTE INTERAMERICANA, do Museo de Bellas Artes de Caracas. Candido Portinari morreu no dia 06 de fevereiro de 1962, quando preparava uma grande exposição de cerca de 200 obras a convite da Prefeitura de Milão, vítima de intoxicação pelas tintas que utilizava.

A pintura e o artista

Sem luz não há cor. Portanto, esta depende daquela. Daí terem os impressionistas, muitas vezes, confundido a luz com a cor e esta com aquela, o que cientificamente, vem a dar no mesmo.

Meu avô era um paisagista, foi chamado de “O pintor do sol”, o que para mim é mais que luz. Foi talvez o melhor aluno do pintor João Baptista da Costa.  Criança assistia-o pintando, ora no atelier, ora ao ar livre. Era menino atento e me impressionava com a quantidade de pincéis na mão esquerda, a da palheta, era para não sujar os tons, dizia ele. As cores, a ordenação das cores na palheta, o cheiro da tinta misturado aos arabescos azuis do caporal, a terebintina volante enfeitiçava-me, imaginava ser aquele o mundo, meu mundo ideal para se viver em paz. A natureza era tão exuberante que ele não pintava em dias nublados. Não tem sol não tem pintura. Ganhou todos os prêmios oficiais e deixou nos museus e em coleções particulares, paisagens (principalmente), e figuras, raras e impressionantes pinturas. Era vizinho de muro com o pintor simbolista, Hélio Seelinger, eu ficava fascinado com suas pinturas enquanto esperava sua filha Eliza, minha professora de piano. Após a aula ia almoçar com meu avô. Eu ainda não sabia que viria a me dedicar à pintura. Certamente todo aquele convívio foi fundamental. Em casa, também a presença entusiasta de meu pai, com suas pinturas, seus livros e seus desenhos, inoculavam o “vírus da arte”, incuravelmente. Meu pai transmitia seus conhecimentos com erudição e a naturalidade agradável da cultura dos grandes professores. Invejável!


Em 1964, de um salto, cairia no “mundo livre dos adultos”, fiz o concurso para a Escola Nacional de Belas Artes. Era meu maior desejo estudar na escola de meu avô e meu pai.


Preparei-me estudando todos os dias. Um desenho artístico completo, acabado, até conseguir a marca de três horas. A prova tinha duração de 4 horas. Um número sem conta de croquis de cinco, 10 e 15 minutos, (na prova foram três croquis de 15 minutos). Finalmente, algumas instruções preciosas do pintor e professor Jordão de Oliveira e lá fui eu. Fiz a prova em três horas - consegui nota dez em desenho artístico e croquis, segundo lugar na classificação geral.


Andar todos os dias e poder conversar com todos os deuses do Olímpo. Passando de manhãzinha por aqueles corredores arejados, podíamos encontrar Fídias ou Apolo, Vênus e a vitória de Samotrácia sob a luz mágica daquelas clarabóias daquele poderoso granítico prédio francês do século XIX. Hoje é o Museu Nacional de Belas Artes. Estudar desenho de modelo vivo ou anatomia, na mesma sala onde estavam expostos desenhos de dezenas de geniais ex-alunos como Rodolfo Bernardele, Amoedo, Cândido Portinari, para citar alguns. Ficava admirado boquiaberto olhando aqueles estudos. Eram, de fato, impressionantes. Imaginava quem teria sentado ali onde eu estava. Estudei durante três anos com os professores Onofre Penteado e Abelardo Zaluar. Anatomia com o professor Victor, História da Arte com Mario Barata, Arte decorativa com Campofiorito, modelagem com Celita Vacani, Modelo vivo e croqui com Jordão de Oliveira e Lídio Bandeira de Melo. No quarto ano, aula de Pintura no 3º andar com o professor Armando Pacheco.



Em 1967 fui eleito presidente do diretório acadêmico na chapa “Decisão”, Urian, Germano, Fernando, Sérgio, Benevento, Lúcia. Fizemos durante seis meses o “Ciclo de estudos da arte brasileira”. Foi quando tomei contato com o mundo real, meu conhecimento sobre política era zero. Era, e sou ainda, admirador do Sidarta. 1968 trouxe a repressão que chegou para ficar. 1969... não foi fácil ver meus sonhos e a Escola desmoronar. O Che tornava-se uma lenda. Senti-me furtado, frustrado, impotente, órfão, desorientado. Tranquei a matrícula, não imaginava que nunca mais voltaria àquela mágica Escola Nacional de Belas Artes. Nos anos vindouros, a minha Escola afundaria no Fundão, anos difíceis para viver, estudar e pintar.


1970 chegou com um convite para ir trabalhar na Phonogram, depois Polygram, hoje Universal. Foram dez anos de muito trabalho e aprendizado. Nos quais realizei milhares de capas de álbuns clássicos da MPB, de artistas como Elis Regina, Raul Seixas, Tim Maia, Caetano Veloso, Chico Buarque, Jorge Ben, Ivan Lins, MPB4, Belchior, Gilberto Gil, Erasmo Carlos, Wandeléia, Maria Bethânia, Gal Costa, Alcione, Fafá de Belém, Jair Rodrigues, Antônio Adolfo, Toquinho, Jards Macalé, etc.- Na época,  para você fazer uma capa de disco, você lidava tranqüilamente com umas 15 pessoas, em níveis diferentes, fora os boys – rememora Aldo - Lembro que uma vez perguntei pro Chico (Buarque) sobre um disco dele: "e aí, Chico, ta pronto?". Ele usou uma expressão que para mim foi surpresa: "Cara, estou arrancando leite das pedras..." (rindo). Depois percebi que eu também tirava leite de pedra. Acho que todos nós estamos sempre tirando leite das pedras. O artista gráfico tem que cumprir um cronograma, tem que ser o melhor porque tem sempre dezenas mordendo seu calcanhar, doidos para derrubar você. Você tem que fazer o melhor. Justamente por pegar uma época em que não havia computação gráfica, passei um período heroico na Polygram, quando chefiei um dos primeiros departamentos de criação gráfica de disco do país. Cheguei sem conhecer a fundo o assunto. Tinha uma vaga noção, pois estava começando a estudar isso na UFRJ. Mas fui aprender conversando com os técnicos, o pessoal que fazia fotolito, vendo como era o processo deles, falando com montadores, fotógrafos, etc. Fui trabalhar na “Phonogram”, a convite do gerente geral André Midani – Fizera, para o Banco Nacional, um cartaz que foi recolhido, mas que o André viu. (Hoje eu fico pensando que o destino fez com que eu fizesse aquele cartaz só para o André ver). Só fiquei sabendo disso anos depois.


Entre as capas que passaram por minhas mãos está a da trilha de peça Calabar, de Chico Buarque e Ruy Guerra. Como a peça foi censurada, o nome do disco teve de ser mudado para Chico Canta – já a capa, que trazia um muro com o nome da peça pichado ficou toda branca, apenas com a logomarca da gravadora. A capa do disco Doces Bárbaros (de Gal, Gil, Caetano e Bethânia) foi um trauma. Na época não tinha computador e você dependia do montador, do fotógrafo, do retocador, do contato, do chefe de estúdio, etc. O montador não entendia o que eu explicava, e não ficou como eu queria – rememora – Mas tem aquelas que dão certo. De recordações boas, o Sinal fechado, do Chico Buarque foi uma delas. Já Joia, do Caetano Veloso, deu confusão, porque depois foi todo mundo indiciado num processo por atentado à moral e ao pudor, e a capa foi recolhida.


Após o começo dos anos 80, quando fiz uma concorrida exposição na antiga galeria Angelis, em Icaraí, Niterói, decidi dedicar-me apenas a pintura. Newton Rezende foi meu padrinho nesse novo parto. Trabalhei dez anos com artes gráficas, porque pintura não dá dinheiro. O cara diz: "Eu vou trabalhar e quando me aposentar, vou pintar", mas isso não funciona. E hoje, em projeto gráfico, o cara faz o trabalho de seis funcionários para ganhar o de um.


 Fazia ainda capas para WEA, era “freelance”, 1983, quando comecei a me envolver com o tema carnaval a partir de uma capa de disco recusada pela Polygram. Eram grandes sucessos de carnavais passados, regravados por artistas contemporâneos e famosos. Apresentei o projeto gráfico com o quadro “O penúltimo Carnaval”, óleo sobre tela, 73 cm x 100 cm., feito especialmente para a ocasião. Um palhaço bebendo vinho com o pierrô tocando violão numa cena de muitas figuras ao fundo.


Recusado!

Na decepção da recusa, no caminho de volta para casa, passei pela WEA onde estava com diretor geral meu amigo Heleno Oliveira que ao ver o quadro disse: (...) “_. Não esquenta com esse pessoal não, foi demais para eles! (...), vai pra casa, pinta trinta quadros desses e faz uma exposição que vai ser um sucesso! ”. Bem, isso foi em 1983. Eu estava intoxicado, de tudo, de artes gráficas e de capas de disco. A exposição só saiu mesmo em 1987, na Galeria Toulouse do Cláudio Valansy, na Avenida Atlântica em Copacabana. Foi mesmo um sucesso. Mas, antes disso foram quatro anos de muitos estudos, desenhos, e, ao final, em dois meses e trinta e cinco telas à tinta óleo em várias dimensões.


O “Clóvis” verde e a morena de costas com penacho vermelho, intitulado "O penúltimo carnaval-II”, foi o carro chefe que virou o convite. Desde aquele dia está na coleção particular do também amigo Umberto Contardi. De lá para cá não parei mais de explorar o tema. Um veio inesgotável, pois muitos foram os mestres em todas as épocas que abordaram o assunto com genialidade.


Eu quero pintar. Persigo “A Pintura”. Para tal, sem mais medo algum, ouso no mágico mundo do domínio da ciência das cores, com o auxílio para mim indispensável, das técnicas do desenho em riqueza de massas e linhas. Não há atalhos. As mãos de todos os mestres certamente ajudam, mas, não resolvem, não importa o tema, cada nova tela é um frio na espinha indo selva adentro.


“O pintor deseja ver uma beleza que o encante; está na sua vontade criá-la, e se lhe apraz a evocação de monstros terríveis, de cenas grotescas e ridículas ou comoventes, ele é senhor disso. Poderá fazer, se lhe aprouver, lugares ermos ou recantos sombrios e verdejantes no verão, ou mesmo lugares ardentes quando inverno”.


É evidente, dispensa demonstração, que os grandes artistas não copiaram: Leonardo, Miguel Ângelo, Rafael, Rembrandt, Delacroix, Matisse, Loutrec, Picasso, Antônio Parreiras, Portinari, etc. Nas épocas marcantes da história da arte, predominam interpretações, derrogações para o mais ou o menos. Derrogações foram os tipos ideais egípcios, os gregos (ideotípo).


Deformações fazem os ignorantes, com ou sem talento. Derrogações, deformações propositadas, conscientes, fazem-nas os artistas cientes, ensinava meu pai.


Pinto a óleo, acrílico, aquarela, pastel, paisagem, marinha, natureza morta, figura, o que me dá vontade. Desenho muito com grafite 8 B, adoro fazer croquis. Dizem-me que o pintor deve escolher um tema e não largar mais, nem mudar, principalmente. Mas o que fazer se nascido em 15 de março de 1947, no Rio de Janeiro, não consegui desde lá deixar de voar sobre temas e materiais sempre em busca da minha identidade, da minha caligrafia. A História da Arte está cheia de exemplos de muito poucos bem-sucedidos, o que mostra o quanto a exceção confirma a regra. Seguirei procurando, perseguindo uma pintura emocionada, crítica e autocrítica da alma universal e do meu carnaval particular. Do meu Eu artista brasileiro. Do meu prazer de pintar e da minha alegria de estar ainda vivo. – Elis Regina, quem dirá algo de seu, quem dará uma “mensagem” sem derrogar?


...“Porque, enfim, nem um herói, não suportaria a perfeição, como provou a mitológica figura grega... Provado fica, se Ulisses, herói, não suportou, em Ogigia, terra dos deuses, da divina Calípso, a “inefável paz e beleza imortal”, a perfeição, a absoluta perfeição, o homem normal, em mais breve tempo que o Herói, da sábia Grécia, seria vencido pelo enfado, onde houvesse, sempre, sem intermitência, a abundância, o repouso, o esquecimento dos cuidados, e as memoráveis conversas que contentam a alma, e,  sempre, fosse, bem nutrido, revestido de linhos finos, sem nunca perder a querida força, nem a  agudeza do entendimento, nem o calor da facúndia; onde quer que fosse, privado de ver o trabalho, o esforço, a luta e  o sofrimento... Porque, ele, o homem insaciável, por destinação natural, tem que viver onde a alma arde no desejo do que se deforma, e se suja, e se espedaça, e se corrompe... E, terá, sempre, nas horas de completa serenidade, de quietude monótona de um lago morno, uma irreprimível saudade do mutável, do vir a ser de novo, e terá saudade da morte! Porque o homem há de, sempre, querer partir para os trabalhos, para as tormentas, para as misérias – para a delícia das coisas imperfeitas!”


 

Aldo Luiz de Paula Fonseca, Niterói, 30 de abril de 2005.

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